音乐类考研攻略-音乐考研实用攻略

考研音乐生，这一行最讲究的是手感，别总想着把书背得死板。 把那些教科书里的“定义”、“公式”、“历史脉络”先扔一边。你这一玩，不是考文学系的史学，也不是考音乐学的理论，是考你能不能闭着眼在琴键上跳圆舞曲，考的是你脑子里有没有那种“听感”。大量学长学姐跟我说，认定文化课忒枯燥，认定专业课像天书，实际上他们没试过那种纯粹靠耳朵练出来的状态。你得明白，音乐考研，本质是个“听觉”专业。你背了再大待会儿，耳朵早就被那些枯燥的术语磨钝了，真正上岸的，全是靠耳朵和肉身练就的肌肉记忆。
故此，别硬背那些死记硬背的东西，去听。去听范特西的旋律去你的脑子，去听那些老歌的变奏去你的意识。 那就从乐理入手吧，但得换个活法。别上来就讲和弦性质，讲三和弦的构成。你就去弹那些老歌，去听那些脍炙人口的作品，去琢磨为啥这个调性听起来心情不错，那个调性听起来有点压抑就连恐怖。
那种“为啥”比“是啥”关键一万倍。你试着在脑海里把一首歌的调式、和弦走向、伴奏织体给拆解出来，想象自己站在听众的肩膀上，感受那种情绪的起伏。你会发现，你不需求去定义它们，只需求去感受它们。
这种持续输入的感觉，比看一万遍谱子都管用。当你认定自己耳朵已经适应了那种特定的“听法”时，你就已经接近了专业生的门槛。 专业科目，特别是声乐和器乐（钢琴、吉他等），千万别认定那是技巧的堆砌。大量学生一上来就抓那几个音准度、那个指法对不对，结局背了三年，手指头还是抖，声音还是虚。
记住，所有技巧的底层逻辑，实际上就是一个“气息”和“管住”。甭管是练发声的呼吸，还是练钢琴的触键，本质上都是在管住身体的状态才能让声音出来。
故此，别急着去苦练那些花哨的技法，先去练好你的呼吸，去练好你的手腕去弹，去练好你的手指头去按。
只有当你的身体状态稳定下来，你才能发出好听的声音。
那时候，那些技巧就成了自然的流露，而不是生硬的展示。 回想一下我的第一次登台，那种紧张感至今难忘。
那时候我还在拼命背那些复杂的乐理分析，脑子里全是“主功能和弦”、“次属调”这些词，生怕评委听不懂。结局上台前一个音都弹不准，声音也发飘。
后来我才明白，那些理论实际上是用来辅助创作的，是用来帮助你在创作时理清思路的，而不是用来在考场上指挥自己的。当你真正站在舞台中央，面对观众，那种紧张感不是来自内心的恐惧，而是来自对未知的敬畏。
这时候，你才真正启动关切那些枯燥的乐理知识，出于知道了它们的逻辑，你才能在创作中灵活运用它们。
故此，把理论当作工具，而不是当作目标。 关于乐器，钢琴和吉他实际上是最“费嗓子”的，但也最考验管住力的。钢琴没有呼吸，全靠手指头。你要练的不是手指头的灵活性，而是对触键深浅的管住。
举个例子，同样的按下力度，为啥有些琴声是饱满的，有些是干瘪的？这就是管住力的难题。
要是你能管住住每个音的音色，那种细腻的层次感和颗粒感自然就出来了。吉他也一样，你不是要弹得响亮，而是要弹得干净利落、有呼吸感。大量学生总想着用力，结局手酸了，声音却闷了。你要学会用最小的力气，传达最大的情感。
这听起来玄乎，但就是靠这种“克制”和“精准”，才能在考场上展现出真正的功底。 自然，光会弹和会唱还不够。
听说目前大量学校都开设了管乐要么打击乐，要是你没选这些，那就在管乐这块上埋个雷。我见过好多学生，只练了一支小提琴，结局一上场就乱套了，出于少了综合性的节奏感和音色管住。管乐别看难，但那种集体演奏时的配合，那种无法被孤立的音乐性，才是真正检验一个音乐人综合素质的唯一标准。
要是你能在管乐队里找到那种独特的音色，那种还不如他乐手和谐共生的感觉，那才是你真正做到了“专业”。 最终，我想说，音乐考研实际上是一场漫长而孤独的修行。你可能会遇到各种各样的干扰，比如网上的偏方，比如某些所谓的“捷径”，就连可能是父母那种“一定要考第一”的高高在上。你要清楚，这些都不是答案。唯一的路径，就是老老实实地坐在那里，日复一日地练。当你那种“听”的习惯养成了，你的表现力自然就会出来。
不要恐惧犯错，不要恐惧不懂，出于音乐的魅力，就是在于它的无限可能。
只要你不拉倒，只要你的心还在跟着旋律走，你就一定能找到归于你自己的那一份声音。
那时候你会发现，那些曾经让你头疼的乐理，那些枯燥的练习，都在那一刻化作了最动人的乐章。